Descubre las técnicas de interpretación más conocidas y usadas entre los profesionales
Subirnos a un escenario y encarnar a un personaje representa la rutina de cualquier actor; es el corazón del trabajo actoral y hace que cada artista use técnicas distintas con el objetivo de alcanzar la verdad escénica y la excelencia. Encontrar una fórmula que a nivel personal nos sirva, a veces es una tarea ardua y nos lleva años de preparación; años donde cada uno de nosotros habrá pasado por cursos, masterclasses, charlas, talleres, intensivos, etc.
Perfeccionar la técnica actoral es la base de nuestro trabajo y gracias a actores y directores que en el pasado han investigado cómo entender, imitar y encarnar a distintos personajes, han hecho posible que hoy en día tengamos muchas técnicas actorales totalmente válidas. Hoy vamos a conocer cuáles son las técnicas actorales más importantes a nivel mundial que han ayudado a los actores a mejorar su nivel interpretativo día tras día:
TÉCNICA STANISLAVSKY
Konstantin Stanislavky fue el primer director y actor ruso que creó un método actoral que se basaba en la recreación realista de las vivencias y emociones humanas. Su sistema ha necesitado años de estudios y análisis para determinar cómo las personas podían reaccionar ante cada situación en su vida cotidiana.
Su desafío contante era recrear ante el espectador una verdad totalmente realista y creíble haciendo que el actor buscara de manera constante las mismas sensaciones del personaje en su piel, haciéndose siempre la misma pregunta: "si yo estuviera en la posición del personaje ¿qué haría? ¿qué sentiría? " etc.
De ese trabajo nació el famoso "Método Stanislavsky" que se basa en varios conceptos y principios fundamentales:
SENTIDO DE LA VERDAD: el actor siempre tenía que diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. En los ensayos tenía que vivir en su piel lo mismo que vivía el personaje, intentado eliminar todo lo superfluo y así quedándose con lo verdaderamente esencial de la emoción y la vivencia.
LA RELAJACIÓN: la eliminación de cualquier tensión física era la base para poder conectar con una verdad profunda del personaje. Su trabajo se basaba en una preparación física y gestual del cuerpo para que pudiese convertirse en un canal de expresión totalmente naturalista a través de la "acción física".
CONCENTRACIÓN: para él recordar y retener emociones y sensaciones era un elemento fundamental; de ahí nace la creación de la memoria sensorial y emocional. Stanislavky trabajaba con la memoria externa e interna de un actor para que cada uno supiese concentrarse en lo que era externo a sí mismo y que formaba parte de la ficción, y lo que era interno y representaba la emoción verdadera del actor que tenía que asociarse a lo que pasaba en el escenario.
CONTACTO Y COMUNICACIÓN: independientemente de las relaciones que se creaban arriba del escenario marcadas o no por el libreto o el director, el actor tenía que desarrollar una capacidad totalmente natural de reaccionar a los acontecimientos que pasaban entre él y otro/s compañero/s.
UNIDADES DE TRABAJO: cada actor a nivel de análisis tenía que aprender a seccionar los acontecimientos de la obra y de su personaje para poder trabajar de forma separada con cada uno y así entender más en profundidad todas las circunstancias dadas del personaje: visión, misión, objetivo, estrategias y plan de acción.
EL CONTEXTO y LAS CIRCUNSTANCIAS DADAS: conocer en profundidad el contexto donde se movía el personaje era un elemento fundamental de la técnica Stanislavsky, porque eso ayudaba al actor a entender el porqué de determinadas reacciones y actitudes del personaje.
COHERENCIA: era importante que el actor buscara objetivos y motivaciones coherentes con las situaciones y el objetivo final del personaje, para que todo al final encajara como las piezas de un puzzle.
CREATIVIDAD: un actor nunca podía relajarse y quedarse conforme con lo primero que experimentaba; intentaba trasladarles a sus discípulos la importancia de seguir buscando, investigando desde la verdad y la sinceridad.
TÉCNICA GROTOWSKY
Estudió en profundidad la técnica de Stanislavsky, pero creía que había cuestiones que se tenían que abarcar de otra manera: según él, el actor no podía solo agarrarse a su talento y a sus experiencias de vida, sino que tenía que desarrollar una técnica específica que le ayudara a huir de estereotipos que lo único que hacían era limitar su verdad escénica. Para él, el trabajo del actor era una profesión científica, un proceso de autoconocimiento; su técnica se basaba en los estímulos, impulsos y reacciones de los actores, creando artistas totalmente sensibles a cualquier cosa pasase arriba del escenario.
Su atención estaba mucho más enfocada al cuerpo, no a la vida emocional del actor; se centraba en la investigación más que en el resultado, de hecho fue el creador del concepto de "Teatro Laboratorio". Sus influencias fueros el teatro Kathakali, la pantomima de Marcel Marceau y el entrenamiento biomecánico de Meyerhold. Para Grotowsky, además, el teatro no es solo una representación naturalista de las emociones, sino que tiene una faceta de ritual moderno que no restaba verdad a los acontecimientos; unas de las características de este ritual eran la fascinación, la sugestión y la estimulación psíquica. Para él el acto teatral era un especie de "sacrificio", una entrega absoluta por parte de los actores que, sin el público, no tendría ningún sentido.
TÉCNICA CHEJOV
La aportación histórica más relevante en la historia de la sistematización actoral es sin duda la de Konstantín Stanislavsky, ya que ha estudiado todos los procesos de acción/reacción de un actor y personaje en escena. Divide así el trabajo del actor en fuerzas de mente, voluntad y sentimiento; esto se conoce como “el método”. Pero es su discípulo, Michael Chejov, quien realmente logra darle una vuelta más a esta sistematización, creando un esquema de trabajo centrado en la individualidad creativa, investigando los instrumentos intrínsecos del actor. La técnica Chejov se basa principalmente en imágenes viscerales que pasaban por alto todos aquello procesos mentales complicados y secundarios. No trabajaba desde la relajación, obligando al actor a pensar en relajarse, sino ofreciéndole impulsos más directos como caminar desde la "facilidad", un punto fundamental que según Chejov tiene que transmitir al público. Su entrenamiento actoral se enfocaba a "las imágenes" atendiendo a distintos puntos como: concentración, irradiación, imaginación, cualidades de las acciones, atmósfera, objetivo y la improvisación; todo ello marcado por el sentimiento de facilidad, sentimiento de forma, sentimiento de belleza, sentimiento de totalidad, que dotan al actor de la liberación de las tensiones perjudiciales. Tenía un concepto de "gesto psicológico" que consistía en relacionar un gesto físico con un estado psicológico. Trabajaba con verbos de acción que ayudaban al actor a sentir físicamente y anímicamente el estado del personaje; abogaba por llegar a la emoción desde la fiscalidad del cuerpo, algo que desarrollará más adelante Meyerhold con su técnica corporal de entrenamiento. Chejov rechazó desde muy pronto el naturalismo de Stanislavsky y creó su propia visión del trabajo actoral.
TÉCNICA ADLER
La base de la técnica de Stella Adler fue la IMAGINACIÓN como herramienta central del trabajo actoral. Según su técnica, el actor debe creer en su personaje y dejar que su imaginación construya imágenes, sensaciones y toda una historia personal alrededor de él.
Los puntos fundamentales de su técnica son los siguientes:
EL HACER: el actor en el escenario siempre tiene que basar su interpretación en las acciones que se encuentran en el texto; buscar justificaciones coherentes y entonces encontrará los verdaderos conflictos de los personajes que interpreta.
LA IMAGINACIÓN: el actor desarrolla su imaginación a través de la observación detallada del mundo que le rodea; a partir de ahí puede crear imágenes reales y concretas que le ayudarán en el escenario a reconstruir las vivencias del personaje y además hará que el público vea la historia desde sus mismos ojos.
ENTRENAMIENTO MENTAL: un actor tiene que desarrollar sus capacidades mentales para analizar en profundidad la obra en todos sus detalles para poder luego revelar sus secretos a la audiencia. Debe estudiar el texto y sus ideas investigando sobre las circunstancias sociales de los personajes.
MAGNITUD: los actores deben tener una preparación vocal y física que que les permita amplificar en magnitud todos los elementos de la obra para que puedan llegar al público de una manera más potente que en la misma realidad.
Para la técnica Adler, la fase de ensayo es el momento más importante, ya que es cuando el actor crea las imágenes para luego montar el espectáculo y las acciones de los personajes.
TÉCNICA STRASBERG
Muy influenciado por la técnica Stanislavsky, la técnica de Lee Strasberg se basa casi en su totalidad sobre la MEMORIA EMOTIVA. Con esta premisa, los siguientes mecanismos giran por lo tanto alrededor de este enfoque:
LA RELAJACIÓN: se enfoca en eliminar todas las tensiones corporales del actor para que pueda conectar con más facilidad con su cuerpo emocional.
LA CONCENTRACIÓN: que en el caso de Strasberg, se basa en poder trabajar con un objeto asociado a una vivencia personal del personaje para evocar imágenes, emociones, situaciones etc.
LA PRIVACIDAD: según Strasberg es importante trabajar con el actor la sensación de soledad, obviar al público, hacer que no exista y conseguir levantar esa "4ª pared" que le ayude a conectar con sus recuerdos y emociones más íntimas.
EL AJUSTE: se cambia el concepto de "circunstancias dadas" por el de "ajuste"; es decir seleccionar una serie de circunstancias del personaje que ayuden al actor a conectar con su centro emotivo eliminando todos aquellos datos superfluos que solo sirven a nivel informativo.
LA ACCIÓN: según esta técnica las acciones solo entrarán en juego cuando el actor haya sentido e investigado emocionalmente y por lo tanto conozca de manera profunda lo que el personaje siente.
MEMORIA AFECTIVA Y SENSORIAL: Strasberg reelabora el concepto de memoria emotiva de Boleslavsky dividiéndola en "Memoria afectiva" que son la vivencias experimentadas por el actor y la "Memoria sensorial", que son las sensaciones captadas por los sentidos y que juegan un papel fundamental en la recreación de las sensaciones del personaje.
Entre Stella Adler y Lee Strasberg se creó una especie de duelo de técnicas, ya que en ese entonces representaban las dos metodologías predominantes en Norteamérica. Stella abogaba por un trabajo más profundos sobre las acciones físicas y de investigación de todas las circunstancias dadas; mientras que Strasberg optaba por potenciar todo el trabajo de memoria emocional eliminando de las circunstancias dadas todo los datos que no tenían un efecto directo sobre el cuerpo emocional del actor.
TÉCNICA MEISNER
La técnica Meisner es considerada como el proceso más efectivo para entrenar actores y es utilizada, entre otros, por escritores, directores, maestros y pedagogos para desarrollar sus canales comunicativos. Meisner abarca el trabajo actoral desde un punto de vista de totalidad. Los elementos que caracterizan su técnica son:
LOS IMPULSOS: Meisner cree que cada ser humano tiene una conciencia propia que no escucha; por lo tanto en su entrenamiento actoral pone el foco en el compañero de escenario, para que el mismo actor aprenda a escucharle y dejarle penetrar en sus defensas, dejando que salga lo que se siente de verdad.
LA ESCUCHA: Meisner habla de escucha honesta, una escucha centrada en el otro para poder así reaccionar y dejar que nuestros impulsos salgan de lo que nos ofrece el compañero.
ATENCIÓN: en este tipo de técnica se entrena el actor no a la concentración en sí mismo, sino en la atención hacia lo que hay fuera y en el entorno; porque según Meisner es el entorno que crea en el actor reacciones, sensaciones y verdad.
LOS COMPORTAMIENTO: en esta técnica no se trabaja con la palabras, porque las "palabras mienten"; se trabaja sobre los comportamientos que hay detrás de las palabras que son lo verdaderamente importante.
CONSTRUCCIÓN DE UNO MISMO: desarrollarse de manera totalmente personal y única es otra pieza fundamental. Cada actor tiene que aprender a conocerse y aprovechar sus capacidades de una manera completa.
Todas estas técnicas tienen puntos en común y cuestiones totalmente distintas que hacen que cada actor se sienta cómodo más con una que con otra. A mi juicio y por mi experiencia, no existe una técnica perfecta y cada uno de vosotros, después de un estudio profundo de todas ellas, debería crear su propia forma de trabajar y construir personajes. Moldear nuestro propio método, dejar que nuestro cuerpo se acerque al personaje desde su criterio, hace que nuestras interpretaciones sea únicas y especiales. En definitiva, investiga, prueba, estudia y luego ... ¡CREA! solo así te podrás encontrarte cómodo en tu proceso actoral e interpretativo de construcción de un personaje.
Si necesitas un guía y quieres formarte de manera profesional como actor o actriz en cualquiera de estas técnicas, tenemos a tu disposición un curso intensivo grupal o clases individuales que te ayudarán a alcanzar tus objetivos como ya han hecho decenas de alumnos que actualmente se han convertido en profesionales:
